L’opera di Miles Davis è intramontabile. Più passa il tempo e più si percepisce la profondità del suo pensiero stilistico e l’attualità del suo suono.Ma risulterebbe difficile disquisire di un artista così complesso senza evitare il rischio di banalizzarne la figura. Perché Davis è stato non solo un grande trombettista ma un eccellente scopritore di talenti, un architetto musicale geniale e coerente oltre che colui che ha sentito l’esigenza di andare sempre avanti senza mai voltarsi indietro a guardare i propri successi.Miles Ahead… recitava il titolo di uno dei tanti dischi riusciti inciso per la Columbia.E se anche fosse possibile parlare di Miles e della sua proiezione artistica è difficile farlo intorno alla sua essenza sonora e filosofica. Intorno a quel timbro che ha cambiato il corso della storia del jazz e che ancora oggi è attuale e contemporaneo tanto da essere usato in tutti gli stili musicali.Intendo non tanto il suono lunare della sua tromba ma di quello della sordina ‘Harmon’ che è strumento a se e che Miles ha reso celebre.Fino ad allora infatti la ‘Harmon Mute’ (che è il nome della ditta che ancora oggi la fabbrica in diversi modelli più leggeri e più pesanti a seconda della grammatura del metallo vibrante che è l’alluminio) la si usava esclusivamente per arricchire la tavolozza timbrica delle orchestre e la sordina ‘Harmon’ otteneva un suono volutamente piccolo e insignificante. Davis ebbe l’idea geniale di togliere dal foro centrale il piccolo cilindro di metallo semovibile ottenendo un suono caldo, pesante e profondamente umano anche se difficilmente intonabile.Non dimentico, all’inizio del mio percorso, la sensazione che ho provato all’ascolto di ‘Round Midnight del ’56 con John Coltrane. Dalle prime note del tema il suono di Miles mi è entrato nella pelle tanto che ho passato mesi e mesi per cercare di copiarlo e tuttora mi emoziona come fosse la prima volta.

E’ il suono della bellissima Blue in Green e di altre ballate mozzafiato, è il suono di Autumn Leaves registrata dal vivo ad Antibes nel 1963 ma è anche quello di Jean-Pierre, di Tutu o di Doo-Bop.E’ tutta la musica di oggi a muoversi intorno a quel suono di sordina che molti possono ripetere e che si declina in mille mondi tesi a raccontarci la grandezza di Miles Davis.

E se qualche anno fa Herbie Hancock portò in viaggio un intero tour dedicato a Miles riproducendo con le tastiere ‘quel’ suono di sordina oggi arriva un altro doveroso tributo da parte di Antonio Onorato che, come molti di noi, molto deve a Davis non tanto come chitarrista ma come musicista tout court.Ed è all’ascolto di “Breathing” che si percepisce il respiro di Miles. Quel fiato sul collo che stavolta ci incute sicurezza certi di avere ritrovato un vecchio amico.Questo riuscito lavoro discografico è un viaggio nella memoria alla ricerca dei grandi protagonisti di questa grande storia che è il jazz. Sono le voci di Coltrane e di Bill Evans i protagonisti come lo sono George Gershwin e Gil Evans con Summertime guidati da quella voce interiore che è del grande Miles. Ma il vero attore è colui che muove tutto ciò con la passione e l’amore verso il jazz e la sua storia. Antonio Onorato ci regala un cd che non è solo un tributo alla storia ma un contributo prezioso riportando le sue passioni in seno a quell’altro luogo passionale che è Napoli con i suoi colori e i suoi profumi.Grazie alla tecnologia e all’intelligenza egli riesce, nell’utilizzo della ‘breath guitar”, a fare respirare la musica rendendola come forse Miles Davis la avrebbe voluta: intensa, vibrante ed onirica come il brano Epilogue che chiude idealmente il cd. Il tutto con l’aiuto di un gruppo di musicisti fantastici che mostra ancora una volta non solo il livello e la maturità del nostro jazz ma la sua positiva ricchezza geografica. Paolo Fresu

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Miles Davis’s work is timeless.As time passes, the more you feel the depth of his thinking style and timeliness of its sound.But it would be difficult to quibble with an artist as complex without avoiding the risk of trivializing the figure.Because Davis was not only a great trumpet player but an excellent talent scout, a genial and coherent musical architect as well as one who has felt the need to always go forward without looking back at his successes. Miles Ahead ... stated the title of one of the many successful albums recorded for Columbia.And even if it were possible to talk about Miles and his artistic projection it is difficult to do it around his philosophical and musical essence.Around that timbre that changed the course of jazz history and is still current and contemporary enough to be used in all musical styles.I mean not so much the lunar sound of his trumpet but the one of the muted ‘Harmon’ which is an instrument in itself and that Miles made famous. Until then, in fact, the ‘Harmon Mute’ (which is the name of the company that still manufactures several models lighter and heavier depending on the weight of the vibrating metal that is aluminum) was used only to enrich the timbre’s palette of the orchestra and the Mute ‘Harmon’ got a sound deliberately small and insignificant. Davis had the brilliant idea to remove from the small central hole the moveable metal cylinder and get a warm, heavy and deeply human sound, but difficult to pitch.I will never forget, at the beginning of my journey, the feeling I had listening to the 1956 ‘Round Midnight with John Coltrane. From the first notes of the theme, the sound of Miles came deep into my skin so much that I spent months and months to try to copy it and still moves me like the first time.

It ‘s the sound of the beautiful Blue in Green and other breathtaking ballads, it is the sound of Autumn Leaves recorded live in Antibes in 1963, but is also the sound of Jean-Pierre, Tutu or Doo-Bop.It is all today’s music to move around at the muted sound that many can repeat and that comes in a thousand worlds theory to tell us the greatness of Miles Davis. And if a few years ago Herbie Hancock brought in an entire tour dedicated to Miles playing with keyboards ‘that’ muted sound, now comes another tribute by Antonio Onorato, who, as many of us, owes much to Davis, not so much as a guitarist but as a musician tout court.

And it is listening to “Breathing” that you feel the breath of Miles. That breathing down the neck that, this time, inspires the certainty to have found an old friend.This successful work record is a trip down the memory lane in search of the great protagonists of this great history that is jazz.The main characters are the voices of Coltrane and Bill Evans as well the George Gershwin and Gil Evans’s with Summertime, all driven by that inner voice that is the great Miles. But the true actor is the one who moves everything with passion and love for jazz and its history. Antonio Onorato gives us a CD that is not only a tribute to history, but a precious contribution to his passions within another place that is passionate as well, Naples, with its colors and scents.Thanks to technology and his intelligence he manage, with the use of the “breath guitar”, to make the music breathe, making it perhaps as Miles Davis would have wanted: strong, vibrant and oneiric as the song Epilogue that ideally closes the CD.

All with the help of a fantastic group of musicians who once again demonstrates not only the level and maturity of the Italian jazz but also a good geographical wealth. Paolo Fresu

A Carlo Mezzanotte, Sandro Satta, Lorenzo Feliciati, Gianni Di Renzo non manca la capacità di raccontare - storie e sé stessi -, capacità che si  trova nel jazz più efficace e comunicativo, quello che sa parlare a chi ascolta suscitandone emozioni e pensieri.Mezzanotte ha il merito di costruire solide composizioni, di fissare temi dai contorni netti e precisi, di disegnare con sapienza architettonica le coordinate dei racconti. In essi può esserci la suggestione melodico-ritmica di un Bud Powell (Jazz In the Wind) o quella armonica di un Coltrane (Fun Steps), l'esplorazione mai banale dell'universo blues (il cinetico Instant Blues, il rilassato The Blue Shift) come la capacità di viaggiare nel mare della musica sudamericana evitando stereotipi e fissandone suggestioni (complice il flauto eccellente di Elvio Ghigliordini in Corrientes).Il  pianista ha almeno altri due meriti: un uso del piano elettrico e dell'elettronica che lo elegge tra i pochi jazzisti italiani che non hanno rimosso né una stagione artistica per certi versi felice (come quella della cosiddetta fusion o jazz-rock) né le grandi potenzialità espressive di quella dimensione sonora; inoltre Carlo Mezzanotte ha uno speciale tocco cristallino, un nitore nel suono che fa trasparire la sua formazione classica ma la sposa ad un'avvertibile energia.Jazz Tales è un cd che vale la pena di ascoltare e riascoltare anche perché all'interno dei suoi strutturati brani c'è spazio per uno dei sassofonisti più straordinari del jazz italiano, l'altista Sandro Satta che da tempo è dedito soprattutto all'insegnamento e poco ai concerti, anche per  colpa dei meccanismi miopi dell'organizzazione di rassegne e recital in Italia. Satta, però, ha conservato intatto il fuoco del suo solismo che sa essere travolgente ed aggressivo ma mantiene una sua profonda umanità, un senso poetico ed una ispirazione rare, preziose, toccanti (Tempo guaritore).Il "modern hard bop" del quartetto, però, non sarebbe così efficace nel generare e trasmettere energia, colore e divertimento se non ci fosse una complice e rodata sezione ritmica (mentre il gruppo esiste a fasi e formazioni alterne dal 2005, la lineup attuale si è formata nel 2008 a seguito di un “reincontro” dovuto alla comune docenza alla Saint Louis Jazz Academy di Roma), se non ci fossero il contrabbasso di Lorenzo Feliciati e la batteria di Gianni Di Renzo  (sostituito in Bicycles da Marco Rovinelli).Le storie jazz, così, fluiscono con naturalezza e groove, spontaneità e costruzione, sfiorando una gamma di sentimenti e sensazioni vaste, come vasta e matura è l'esperienza dei musicisti, di questi jazzisti che ogni giorno - suonando, insegnando, componendo - regalano alla musica, al jazz e alla cultura italiane la loro arte ed il loro artigianato.  Luigi Onori

Credo che il centenario di Django sia il primo importante che si festeggi per quanto riguarda il jazz in Europa anche perché il grande chitarrista tzigano è stato l’unico a lasciare una indelebile traccia nel panorama jazzistico del vecchio continente. Il suo nome è ricordato alla pari di altri grandi centenari della storia del jazz. Louis Armstrong, Bix Beiderbecke, Joe Venuti, Eddie Lang, Benny Goodman, Lester Young, Art Tatum… per la maggior parte  dimenticati o comunque non festeggiati in Italia al contrario degli altri paesi europei che rispettano la storia e la tradizione.
Django scomparve negli anni ’50 quando io ancora non avevo “calcato le scene” del jazz, ma qualche anno più tardi ebbi modo di incontrare a Milano suo figlio Lousson che girava l’ Europa con una roulotte suonando la Maccaferri del padre. Suonammo spesso assieme e notai con grande curiosità che con la mano sinistra evitava di suonare con l’anulare e il mignolo imitando come “due gocce d’acqua” suo padre che come è noto, quando aveva  18 anni,  in seguito a un incendio divampato nel carrozzone dove viveva, rimase ustionato e perse l’uso di quelle due dita.
Ascoltare questo tributo mi ha riconciliato con la musica acustica oggi pressoché dimenticata e sotterrata dal “sound ”elettronico della “musica odierna” in gran parte, a mio avviso, da evitare come il peggiore dei mali.
Moreno Viglione alla chitarra solista, sulla breccia da circa 20 anni e protagonista musicale in diverse direzioni fra le quali l’insegnamento, si muove in questo progetto con grande destrezza, con eleganza e con grande emotività ben coadiuvato dagli amici Gianfranco Malorgio alla chitarra ritmica e Marco Loddo, valente contrabbassista.
Splendidi gli interventi degli ospiti, il violinista olandese poco più che trentenne di grande sensibilità Tim Kliphuis, grande ammiratore dello stile di Stephane Grappelli  e il fisarmonicista sanmarinese Emanuele Rastelli che invitai negli anni ’90 nella sua città, al festival “Jazz incontro alla gente” di cui sono direttore artistico.
Tra i brani in programma, oltre a quelli noti del repertorio di Django, degni di nota sono  “Bossa Dorado” scritto dal chitarrista, violinista e compositore francese Dorado Schmitt  e “Moreno solo” dello stesso Viglione che in questo brano si esibisce alla chitarra da solo.
E poi il fatto di aver chiamato il trio “Hot Club Roma” è un doveroso omaggio all‘ Hot Club de France, vale a dire il nome con il quale Django aveva chiamato il suo celebre quintetto non immaginando minimamente che quella musica sarebbe rimasta nel tempo e avrebbe coinvolto diverse generazioni di musicisti di tutto il mondo. (Lino Patruno)


I think that Django’s centenary is the first important one for jazz music being celebrated in Europe, also because the great jipsy guitar player has been the only one to leave an indelable trace in the jazz panorama of the old Continent.
His name is remembered like other  great centenaries in jazz history. Armstrong... Art Tatum mostly forgotten or not celebrated in Italy unlike other European countries, which respect history and tradition.
Django died in the Fifties, when I hadn’t entered the jazz scene yet, but some years later in Milan, I met his son Lousson who was going around Europe in a caravan playing his father’s “Maccaferri”. We often played together and I realized with great interest how, while playing, he didn’t use the ring finger and the little finger on his left hand, just like his father used to do,  after having lost these two fingers in a fire that destroyed the caravan he was living in when he was eighteen.
Listening to this tribute has reconciled me with acoustic music, today almost forgotten and buried by the electronic sound of modern music that is in my opinion to be avoided like the worst of evils.
Moreno Viglione guitar soloist, who has already been on the scene for 20 years and who is a music protagonist under many aspects, such as for example teaching music, acts in this project with great ability, elegance and great emotivity with the help of his friends Gianfranco Malorgio, rythmic guitar , and Marco Loddo, valent contrabass player.

Wonderful are the contributions of the guests, the Dutch thirty year old violinist Tim Kliphuis with his  fine sensibility, great admirer of Stephan Grappelli’s style and the accordion player from the San Marino Republic, who I invited in the Nineties in his town during the festival “Jazz incontro alla gente” (Jazz towards people), of which I am art director.
Among the pieces on the program, besides the well-known ones from Gjango’s repertory, “Bossa Dorado” should be noted, written by the French guitar and violin player, as well as music writer, Dorado Schmitt and “Moreno solo” written by Viglione, who plays the piece as guitar soloist.
Having called the trio “Hot Club Roma” is an appropriate tribute to the “Hot Club de France”, that is to say the name Django had given to his famous quintet,  hardly imagining that that music would remain in time and would involve many musicians’ generations all over the world. (Lino Patruno)

“Ho conosciuto Vito Favara a Palermo circa dieci anni fa. All’ epoca stava terminando i suoi studi presso la “HochSchule” di Colonia (Germania) con il Pianista inglese nonché mio collega John Taylor. Mia moglie ed io fummo invitati a casa della sua famiglia, e fu lì che ebbi modo di ascoltarlo suonare una mia composizione, insieme ad alcune delle sue.

Già allora nel suo modo di suonare si percepiva un senso di mistero accompagnato da un'essenza particolare, che mi sembrò in parte specchio della sua Sicilianità. Oggi, alcuni anni dopo quel nostro primo incontro, è per me un piacere poter constatare, grazie alla pubblicazione di questo CD, la crescita della sua musicalità già allora così speciale, e  poterne ascoltare la musica, rimasta intatta nello spirito ma arricchita dal tempo e dall'esperienza.” (Ralph Towner)

E’ un esperimento che esprime un’esigenza di totalità musicale, di dialogo fittissimo e di accoppiamenti insoliti, in un omaggio al pop ma anche al jazz moderno e alla musica d’autore.
E’ l’idea personale della vocalità nuda, del groove, delle contaminazioni e delle sonorità mediterranee espressive attraverso lo spessore artistico e l’esperienza del bassista Pippo Matino e l’intensità e il calore appassionato della voce di Silvia Barba.
Ma non solo… perché il Project ha visto, in questi due anni di lavoro, la partecipazione di altri validissimi musicisti, ciascuno con il proprio intenso bagaglio creativo.
E’ un processo in continua evoluzione, è interplay serrato, è profondità e semplicità, è l’emozione di chi suona. E’ la buona Musica che ci gira intorno…"

Il Cd “Dove volano gli angeli” è composto da 12 brani intensi ed emozionanti, che esprimono l’intento dell’autore di raggiungere una libertà espressiva che è difficilmente inquadrabile in un genere musicale predefinito.

Potrebbe quindi essere definito come una produzione di jazz mediterraneo, dove le influenze della musica classica, contemporanea, etnica, potranno essere facilmente colte dall’ascoltatore.

Le musiche sono state eseguite dal M.Edit Ensemble, ed impreziosite dalle performances di ospiti di straordinaria rilevanza nazionale ed internazionale.

Joe Zawinul ha cambiato per sempre il modo di suonare di tanti pianisti-tastieristi, un vero genio, un incredibile compositore, un grande musicista che ha creato qualcosa di veramente nuovo che prima non c'era. Dapprima coi “Weather Report” che hanno sancito un momento storico così innovativo da esserlo ancora oggi e tutto ciò ovviamente non solo grazie a Joe, che ha scritto le pagine migliori, ma anche grazie a formazioni irripetibili nate dall’incontro con altri geni musicali, ricordiamo il grande Jaco Pastorius. In tempi più recenti, con i suoi Syndicate, Zawinul è riuscito a catturare al meglio suoni e colori di paesi e luoghi lontani, in un lungo viaggio intorno al mondo in un perfetto stile fusion tra musica etnica e jazz. Molti sono i modi per ricordarlo e rendere omaggio alla sua musica e Pippo Matino è sicuramente uno di quei musicisti in grado di farlo poiché ha dimostrato, nel corso della sua carriera, di essere come pochi altri vicino alla musica dei “Weather Report” e di Joe Zawinul, importante ricordare a riguardo la sua collaborazione con Paco Sery, ultimo batterista di Joe.

"Terzo album di una delle più interessanti formazioni marchigiane, punto di svolta, ma non conclusivo, del percorso compositivo e strumentale dell’esperto chitarrista / leader Roberto Zechini, coadiuvato da un affiatato ensemble di musicisti duttili e creativi.

Si attraversano felicemente territori jazzistici e “di frontiera” evitando con cura i luoghi comuni degli stessi. Una realtà consolidata che dimostra l’odierna capillarità geografica della buona musica."

Sembra che chiunque scriva sull´alto sax di Daniele Tittarelli si senta irresistibilmente obbligato a buttare là qualche parola su John  Coltrane o Charlie Parker. Daniele è in giro da un po´, ha suonato con formazioni storiche come quella di Roberto Gatto e Gianluca Renzi: in un certo senso, quei paragoni hanno ormai fatto il loro tempo. In questo nuovo lavoro, infatti, Daniele Tittarelli mostra meno debiti con Coltrane e Parker - specie in termini di sonorità e pronuncia - che non con molti altri altosassofonisti con cui il suo nome non è mai associato, ad esempio Wilbur Schwarz. Ascoltando alcuni temi del cd, mi ha colpito il pensiero che se Schwarz fosse ancora vivo e avesse continuato a progredire, probabilmente oggi suonerebbe come Tittarelli.
Resta il fatto che Tittarelli è uno dei più solidi e sottovalutati musicisti della scena jazz contemporanea, e l'anno scorso ha suonato alla Carnegie Hall, dove è stato pagato profumatamente perchè la piantasse.

Gli uomini che Tittarelli ha scelto per questa nuova impresa sono tutti giovani, ambiziosi e mossi da quel tipo di entusiasmo che porta a una sana eccitazione creativa e all'abuso di cannabis. Pietro Lussu è un pianista dallo stile intricato e flessibile alla Horace Silver, di cui ha anche le emorroidi. Vincenzo Florio è uno di quei rari musicisti passati dalla tromba al basso e la sua tecnica è straordinariamente duttile e luminosa, per uno che suona il contrabbasso da dentro. Marco Valeri non è solo un batterista eclettico, ma anche un valido compositore, come lo era Joe Chambers, e ama lo skateboard, che è un modo elegante per dire che non ha una ragazza. "Mi piacciono i giovani che cercano di spingersi oltre," dice Tittarelli. "Quelli di questo gruppo sono davvero speciali. Quando li ho scoperti, facevano i bagnini in un autolavaggio. Insieme proviamo a dire qualcosa di diverso. Perché il jazz, come la Cina, deve evolversi." Diventa più sensato allora ascoltare la musica in sé e vedere cosa combina Daniele in questo cd, il più significativo per quel che riguarda la sua evoluzione come solista, compositore e sacerdote.

(Daniele Luttazzi)

Gianluca Renzi propone un omaggio a Mingus e J.Henderson, due musicisti importanti nella sua formazione di musicista, producendo un cd di grande spessore a testimonianza di una live performance di grande livello.
La musica di due grandi solisti, stilisticamente molto diversi tra loro, resa uniforme e coerente da una scrittura fortemente ancorata nella tradizione jazzistica.
Un ensemble di grande livello, comprendente alcuni tra i migliori solisti della scena nazionale, una scrittura filologica ma di grande freschezza e uno swing trascinante fin dalla prima traccia sono gli ingredienti di questo progetto che rende onore a due figure di spicco della musica afroamericana.
Gianluca Renzi, sempre poderoso e brillante come contrabbassista, si mette alla prova con un organico più corposo rispetto ai suoi precedenti lavori con identico brillante risultato e migliorando, se mai ce ne fosse stato bisogno, la qualità della sua scrittura.
Una ennesima  foto istantanea dell'eccellente stato di salute del jazz italiano scattata dalla Wide Sound.

«Cettina, suonando una musica "sentita", ha riposto i suoi pensieri, le confessioni e le inquietudini. Ogni brano racconta una miracolosa verità, in un tono nobile e pur sempre connaturato all’essenza di questo linguaggio, ogni brano si attiene a un principio emozionale, dettato da un particolare percorso interiore.» (Salvatore Bonafede, dalle note di copertina).
Pristine rappresenta l.esordio discografico di Cettina Donato: la pianista siciliana propone le sue composizioni e gli arrangiamenti di due standard celeberrimi, come Summertime e A night in Tunisia, portando nel disco le diverse formazioni che ne hanno accompagnato le esibizioni dal vivo negli ultimio anni.
Negli otto brani del lavoro, l.accostarsi delle varie sonorità risponde al percorso emozionale individuato da Bonafede: il suono caldo e avvolgente dei sassofoni di Jerry Popolo, il prezioso contributo fornito dai diversi musicisti coinvolti nel progetto, l.originale visione musicale della pianista animano il disco di una solare vitalità e permettono alla formazione di esplorare le possibilità espressive offerte dalle composizioni di Cettina Donato.

Michele Francesconi, Paolo Ghetti e Carlo Alberto Canevali presentano un programma del tutto particolare. Nel lavoro il trio si muove su brani originali composti da musicisti italiani emergenti, tra gli altri Mauro Negri e Stefano De Bonis. Un invito, chiaro e determinato, "a credere sempre di più nell.inventiva compositiva dei jazzisti italiani", come afferma il pianista nel presentare la formazione.
Da questo il nome del progetto: Recital, appunto. Un programma pensato e diretto per inquadrare e mettere a fuoco la pratica della composizione, per dare valore allo spirito e all’inventiva degli autori scelti. Il materiale, vario per provenienza, assume una identità propria e personale nell’ispirazione e nel lavoro di arrangiamento del trio.
Recital in evidenza le capacità interpretative di Francesconi, Ghetti e Canevali: tre musicisti esperti, protagonisti di importanti collaborazioni a livello italiano e internazionale. Tre musicisti naturalmente disposti alla contaminazione dei linguaggi e in grado di sintetizzare, nelle improvvisazioni, le proprie esperienza musicali e le nuove strade del jazz.

Mille colori in una chitarra: Antonio Onorato crea con le sue note una sintesi felice di jazz ecanzone, di tradizione napoletana e atmosfere brasiliane. Estar Tudo Azul vuol dire star bene. Antonio Onorato porta, nei brani e nei suoni del disco, le anime della sua musica e, nota dopo nota, melodie, sapori e linguaggi si fondono in una sintesi personale, sincera e rilassata: i tasselli prendono posto con gentilezza, la musica diventa il veicolo per i sentimenti e per la voglia di esprimerli. Tudo Azul, tutto bene… e nelle atmosfere del lavoro si rispecchia lo spirito aperto di Onorato, i colori delle sue passioni, la vocazione melodica e lo stile arioso del chitarrista.

Macchine del tempo, orologi, meteopatie e modi di dire: in una, raccontare il Tempo, aprirsi alla percezione filosofica e creare gli spazi per una racconto in musica.
Il Roberto Spadoni Nine affronta il discorso con una formazione ampia e non convenzionale, colorata da strumenti inusuali come tuba e corno. Tra le sue fila, sono presenti alcuni tra i musicisti più interessanti della scena italiana, musicisti che, da tempo, condividono il cammino artistico del compositore.
Due premesse importanti per comprendere come si sviluppa Panta Rei. La scrittura sobria di Spadoni incrocia le voci dei fiati e il supporto importante della ritmica, una visione fortemente unitaria integra il portato delle tradizioni e le dimensioni più moderne: gli interventi dei solisti danno corpo alle riflessioni sul Tempo, alla forte eredità espressiva proveniente dalle esperienze precedenti del chitarrista, alle necessità narrative insite nella scrittura.
Panta Rei, come dimostrano le foto che accompagnano il booklet, è il frutto di un lavoro sereno e rilassato: nel mood del disco entrano lo spirito giocoso e la ricerca sui contenuti, il racconto e le capacità dei solisti. Una sintesi tra anime musicali diverse, da New Orleans al cool jazz alla dimensione melodica nostrana. profonda e leggera, al tempo stesso, come il percorso disegnato da una meridiana.

Identità è il nuovo lavoro di Massimo Manzi: il disco segna un passo importante nella carriera del batterista e rappresenta, con un lavoro di altissimo profilo, le prestigiose collaborazioni di Manzi.

“Penso che, oggi più che mai, emerga l’esigenza di capire bene chi siamo e non accettare passivamente le mille spinte che provengono dall’esterno”. Massimo Manzi spiega così il titolo del lavoro e, in Identità, il Massimo Manzi Project si muove con disinvolta maturità tra le diverse strade intraprese dal jazz, affronta la tradizione con il piglio personale di un’esperienza aperta, da sempre, al confronto, utilizza, forte della conoscenza, linguaggi espressivi differenti.

Il Massimo Manzi Project é una formazione composta, oltre che dal batterista, da Dave Liebman, Paolino Dalla Porta e Andrea Dulbecco: i quattro musicisti danno vita ad un felice incontro di sonorità ed espressioni musicali, giocando con un repertorio composto da brani originali di Manzi, Dalla Porta e Liebman e standard ricercati.

Che  dire di un sax italianissimo in grado di regalarci un hard bop tagliente ed energico? Gianluca Caporale sfreccia con il suo sassofono tra temi esplosivi ed improvvisazioni dirette e  impazienti. Il suono del quartetto, pieno e potente, è una  sferzante scarica che spinge in avanti i brani: una corsa senza  freni e senza mezzi termini. Gianluca Caporale esalta le  possibilità offerte da un repertorio di ispirazione classica e  coinvolge il quartetto in un assalto senza pause, in una corsa frenetica di jazz.